El Bosco

sus pinturas

http://www.spanisharts.com/prado/e_bosch.htm

http://www.elboscomovie.com/ (no dejen de ver este)

Estilo

El jardín de las Delicias.

Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus figuraciones y técnicas son notablemente diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es decir, con la primera pincelada de óleo, sin demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo, el análisis de cada una de sus obras demuestra que hacía un concienzudo y detallado proyecto antes de la ejecución; innova, asimismo, en la gama de colores, con tonalidades más contrastadas y atrevidas.

En cuanto a la figuración, El Bosco se destaca por representar a personajes santos como sujetos comunes y vulnerables (total diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio mucha similitud con Matthias Grünewald). Es tan patética la vulnerabilidad de los personajes santos representados que les hace queridos por empatía. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura.

Lo que quizás primero llama la atención de todo aquel que observa una obra de 'El Bosco' es su "surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con el típico expresionismo teutónico.

En sus obras abunda el sarcasmo y la imaginería de tipo onírico, y lo grotesco. Una de las explicaciones para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la creencia en hechiceras, la alquimia, la magia, los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías... Además, en el 1500 abundaron los rumores apocalípticos. Esto influye para que 'El Bosco' intente desde sus pinturas dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo nada pacato sino, por el contrario, satírico; y si 'El Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte nos anticipa al humanismo de la Edad Moderna.

Tras su muerte, el rey Felipe II de España, conociendo la colección que de las obras de 'El Bosco' había hecho Felipe de Guevara, se interesó por su obra, adquiriendo varias de sus pinturas; la atracción que Felipe II tenía por las obras de 'El Bosco' es curiosa: en su dormitorio del Monasterio de El Escorial mantenía al célebre Jardín de Las Delicias.

Ha influido en pintores casi contemporáneos suyos, tales como Pieter Brueghel el Viejo, y Pieter Huys. En el siglo XX es notorio su influjo en expresionistas como James Ensor, o surrealistas como Max Ernst y Dalí.

El Bosco

abajo hay enlaces sobre su pintura.
Los invito a visitar el museo Del Prado, que ahora tiene visitas virtuales:

www.museodelprado.es

allí podrán encontrar su obra El jardín de las delicias.
No dejen de entrar a la parte interactiva, muy divertida, denle clic en la parte iquierda de la portada inicial que dice pradoplay

..."la poesía sigue siendo la mejor posibilidad humana de operar un encuentro que nadie describió mejor que Lautréamont y que puede hacer del hombre el laboratorio central de donde alguna vez saldrá lo definitivamente humano, a menos que antes no nos hayamos ido todos al quinto carajo".
Julio Cortázar

El Bosco de Rafael Alberti

El Diablo hocicudo,
ojipelambrudo,
cornicapricudo,
perniculimbrudo
y rabudo,
zorrea,
pajarea,
mosquiconejea,
humea,
ventea,
peditrompetea
por un embudo.

Amar y danzar,
beber y saltar,
cantar y reír,
oler y tocar,
comer, fornicar,
dormir y dormir,
llorar y llorar.

Mandroque, mandroque,
diablo palitroque,

¡Pío, pío, pío!
Cabalgo y me río,
me monto en un gallo
y en un puercoespín,
en burro, en caballo,
en camello, en oso,
en rana, en raposo
y en un cornetín.

Verijo, verijo,
diablo garavijo.

¡Amor hortelano,
desnudo, oh verano!
Jardín del Amor.
En un pie el manzano
y en cuatro la flor.
(Y sus amadores,
céfiros y flores
y aves por el ano.)

Virojo, pirojo,
diablo trampantojo.

El diablo liebre,
tiebre,
notiebre,
sepilipitiebre,
y su comitiva
chiva,
estiva,
sipilipitriva,
cala,
empala,
desala,
traspala,
apuñala
con su lavativa.

Barrigas, narices,
lagartos, lombrices,
delfines volantes,
orejas rodantes,
ojos boquiabiertos,
escobas perdidas,
barcas aturdidas,
vómitos, heridas,
muertos.

Predica, predica,
diablo pilindrica.

Saltan escaleras,
corren tapaderas,
revientan calderas.
En los orinales
letales, mortales,
los más infernales
pingajos, zancajos,
tristes espantajos
finales.

Guadaña, guadaña,
diablo telaraña.

El beleño,
el sueño,
el impuro,
oscuro,
seguro
botín,
el llanto,
el espanto
y el diente
crujiente
sin
fin.

Pintor en desvelo:
tu paleta vuela al cielo,
y en un cuerno,
tu pincel baja al infierno.

http://www.youtube.com/watch?v=hrQQSrR5q0I

http://www.youtube.com/watch?v=vTam4vjToLw&feature=related

La mesa de los pecados capitales

http://www.youtube.com/watch?v=c39tC9cel0M&feature=fvw

análisis de su obra Carro de Heno:

http://itinerariosenelarte.blogspot.com/2008/10/el-bosco-el-carro-de-heno-1485-1490.html

Influyó en la pintura de Ensor:

http://arteyartistas.org/2009/03/30/james-ensor-1860-1949/

La condición humana, de André Malraux

ABRIL DE 1999

Extemporáneos

por Mario Vargas Llosa

Personaje contradictorio, amante del oropel y los himnos, gran escritor y autor de un clásico moderno, André Malraux vivió con inusitada fuerza este siglo. En 1996, a raíz de su ingreso en el Panteón, se desató una cacería en su contra por el pensamiento políticamente correcto. Vargas Llosa sale ahora en su defensa.

Cuando, en noviembre de 1996, el gobierno francés decidió trasladar al Panteón los restos de André Malraux, como contrapunto a los homenajes montados en su honor por el presidente Jacques Chirac y sus partidarios, una severísima reacción crítica de su obra tuvo lugar en Estados Unidos y en Europa. Una revisión que, en algunos casos, consistió en un linchamiento literario. Véase, como ejemplo, el feroz artículo en The New York Review of Books —barómetro de la corrección política intelectual en el mundo anglosajón— de una pluma tan respetable como la de Simon Leys. De creerles a él y otros críticos, Malraux fue un escritor sobrevalorado, mediocre novelista y ensayista lenguaraz y jactancioso, de estilo declamatorio, cuyas delirantes afirmaciones histórico-filosóficas en sus ensayos estéticos representaban un fuego de artificio, el ilusionismo de un charlatán.
Discrepo de esa injusta, y, creo, prejuiciada visión de la obra de Malraux. Es verdad, había en él cierta predisposición a la palabrería de lujo —vicio congénito a la tradición literaria francesa—, y, a veces, en sus ensayos sobre el arte, incurrió en el efectismo retórico, la tramposa oscuridad (como muchos de sus colegas, por lo demás). Pero hay charlatanes y charlatanes. Malraux lo fue en la más alta acepción posible de ese lucimiento retórico, con una dosis tan potente de inteligencia y cultura que, a menudo, en su caso el vicio mudaba en virtud. Aun cuando no dijera nada la tumultuosa prosa que escribía, como ocurre en páginas de Las voces del silencio, lo decía con tanta belleza que ese vacío enredado en palabras resultaba subyugante. Pero si, como crítico, pecó a veces de la palabrería, como novelista fue un modelo de eficacia y precisión. Entre sus novelas, figura una de las más admirables de este siglo: La condición humana
Desde que la leí, de corrido, en una sola noche, y, por un libro de Pierre de Boisdeffre, conocí algo de su autor, supe que la vida que hubiera querido tener era la de Malraux. Lo seguí pensando en los años sesenta, en Francia, cuando me tocó informar como periodista sobre los empeños, polémicas y discursos del Ministro de Asuntos Culturales de la Quinta República, y lo pienso cada vez que leo sus testimonios autobiográficos o las biografías que, luego de la de Jean Lacouture, han aparecido en los últimos años con nuevos datos sobre su vida, una vida tan fecunda y dramática como la de los grandes aventureros que fraguó.
Soy también fetichista literario y de los escritores que admiro me encanta saberlo todo: lo que hicieron, lo que no hicieron, lo que les atribuyeron amigos y enemigos y lo que ellos mismos se inventaron, a fin de no defraudar a la posteridad. Estoy, pues, colmado con la fantástica efusión pública de revelaciones, infidencias, delaciones y chismografías que en estos momentos robustecen la ya riquísima mitología de André Malraux, quien, como si no hubiera bastado ser un sobresaliente escribidor, se las arregló, en sus 75 años de vida (1901-1976), para estar presente, a menudo en roles estelares, en los grandes acontecimientos de su siglo —la Revolución China, las luchas anticolonialistas del Asia, el movimiento antifascista europeo, la guerra de España, la resistencia contra el nazismo, la descolonización y reforma de Francia bajo De Gaulle— y dejar una marca en el rostro de
su tiempo.
Fue compañero de viaje de los comunistas y nacionalista ferviente; editor de pornografía clandestina; jugador a la Bolsa, donde se hizo rico y arruinó (dilapidando todo el dinero de su mujer) en el curso de pocos meses; saqueador de estatuas del templo de Banteal-Sreï, en Camboya, por lo que fue condenado a tres años de cárcel (su precoz prestigio literario le ganó una amnistía); conspirador anticolonialista en Saigón; animador de revistas de vanguardia y promotor del expresionismo alemán, del cubismo y de todos los experimentos plásticos y poéticos de los años veinte y treinta; uno de los primeros analistas y teóricos del cine; testigo implicado en las huelgas revolucionarias de Cantón del año 1925; gestor y protagonista de una expedición (en un monomotor de juguete) a Arabia, en busca de la capital de la Reina de Saba; intelectual comprometido y figura descollante en todos los congresos y organizaciones de artistas y escritores europeos antifascistas en los años treinta; organizador de la escuadrilla España (que después se llamaría André Malraux) en defensa de la República, durante la guerra civil española; héroe de la resistencia francesa y coronel de la brigada Alsacia Lorena; colaborador político y ministro en todos los gobiernos del general De Gaulle, a quien, desde que lo conoció en agosto de 1945 hasta su muerte, profesó una admiración cuasi religiosa.
Esta vida es tan intensa y múltiple como contradictoria, y de ella se pueden extraer materiales para defender los gustos e ideologías más enconadamente hostiles. Sobre lo que no cabe duda es que en ella se dio esa rarísima alianza entre pensamiento y acción, y en el grado más alto, pues quien participaba con tanto brío en las grandes hazañas y desgracias de su tiempo, era un ser dotado de lucidez y vigor creativo fuera de lo común, que le permitían tomar una distancia inteligente con la experiencia vivida y trasmutarla en reflexión crítica y vigorosas ficciones. Un puñado de escritores contemporáneos suyos estuvieron, también, como Malraux, metidos hasta el tuétano en la historia viviente: Orwell, Koestler, T.E. Lawrence. Los tres escribieron admirables ensayos sobre esa actualidad trágica que absorbieron en sus propias vidas hasta las heces; pero ninguno lo hizo, en la ficción, con el talento de Malraux. Todas sus novelas son excelentes, aunque a La esperanza le sobren páginas y a Los conquistadores, La vía real y El tiempo del desprecioLa condición humana es una obra maestra, digna de ser citada junto a las que escribieron Joyce, Proust, Faulkner, Thomas Mann o Kafka, como una de las más fulgurantes creaciones de nuestra época. Lo digo con la tranquila seguridad de quien la ha leído por lo menos media docena de veces, sintiendo, cada vez, el mismo estremecimiento agónico del terrorista Tchen antes de clavar el cuchillo en su víctima dormida y lágrimas en los ojos por el gesto de grandeza final de Katow, cuando cede su pastilla de cianuro a los dos jóvenes chinos condenados, como él, por los torturadores del Kuomintang, a ser quemados vivos. Todo es, en ese libro, perfecto: la historia épica, sazonada de toques románticos; el contraste entre la aventura personal y el debate ideológico colectivo; las psicologías y culturas enfrentadas de los personajes y las payasadas del barón de Clappique, que pespuntan de extravagancia y absurdo —es decir, de imprevisibilidad y libertad—, una vida que, de otro modo, podría parecer excesivamente lógica; pero, sobre todo, la eficacia de la prosa sincopada, reducida a un mínimo esencial, que obliga al lector a ejercitar su fantasía todo el tiempo para llenar los espacios apenas sugeridos en los diálogos y descripciones.
La condición humana está basada en una revolución real, que tuvo lugar en 1927, en Shangai, del Partido Comunista chino y su aliado, el Kuomintang, contra "Los Señores de la Guerra", como se llamaba a los autócratas militares que gobernaban esa China descuartizada, en la que las potencias occidentales habían obtenido, por la fuerza o la corrupción, enclaves coloniales. Esta revolución fue dirigida por un enviado de Mao, Chou-En-Lai, en quien está inspirado, en parte, el personaje de Kyo. Pero, a diferencia de éste, Chou-En-Lai no murió cuando, luego de derrotar al gobierno militar, el Kuomintang de Chang Kai-Shek se volvió contra sus aliados comunistas y, como describe la novela, los reprimió con salvajismo; consiguió huir y reunirse con Mao, a quien acompañaría en la Gran Marcha y secundaría como lugarteniente el resto de su vida.
Malraux no estuvo en Shangai en la época de los sucesos que narra (que inventa); pero sí en Cantón, durante las huelgas insurreccionales del año 1925 y fue amigo y colaborador (nunca se ha establecido con certeza hasta qué punto) de Borodín, el enviado de la Komintern (en otras palabras, de Stalin) para tutelar el movimiento comunista en China. Esta experiencia le sirvió, sin duda, para impregnar esa sensación de cosa "vivida" a los memorables asaltos y combates callejeros de la novela. Desde el punto de vista ideológico, La condición humana es procomunista, sin la menor ambigüedad. Pero no estalinista, sino, más bien, trotskista, pues la historia condena explícitamente las órdenes venidas de Moscú, e impuestas a los comunistas chinos por los burócratas de la Komintern, de entregar las armas a Chang Kai-Shek, en vez de esconderlas para defenderse cuando sus aliados del Kuomintang dejaran de serlo. No olvidemos que estos episodios suceden en China mientras en la URSS seguía arreciando el gran debate entre estalinistas y trotskistas (aunque ya había empezado el exterminio de éstos) sobre la revolución permanente o el comunismo en un solo país.
Pero una lectura ideológica o sólo política de la novela soslayaría lo principal: el mundo que crea de pies a cabeza, un mundo que debe mucho más a la imaginación y la fuerza convulsiva del relato que a los episodios históricos que le sirven de materia prima.
Más que una novela, el lector asiste a una tragedia clásica, incrustada en el mundo moderno. Un grupo de hombres (y una sola mujer, May, que en el mundo esencialmente misógino de Malraux es apenas una silueta algo más insinuada que la de Valery y las cortesanas que hacen de telón de fondo), venidos de diversos horizontes, combaten contra un enemigo superior para —lo dice Kyo— "devolver la dignidad" a aquellos por quienes combaten: los miserables, los humillados, los explotados, los esclavos rurales e industriales. En esta lucha, a la vez que son derrotados y perecen, Kyo, Tchen, Katow, alcanzan una valencia moral más elevada, una grandeza que expresa, en su más alta instancia, "la condición humana". (1933). les falten.

La vida no es así, y, desde luego, las revoluciones no están hechas de nobles y viles acciones distribuidas rectilíneamente entre los combatientes de ambos bandos.

Que este esquematismo político y ético, que en cualquiera de las ficciones edificantes que produjo el realismo socialista hubiera hecho que el libro se nos cayera de las manos, en La condición humana nos convenza de su verdad, significa que Malraux era capaz, como todos los grandes creadores, de hacer pasar gato por liebre, enmascarando sus visiones con una apariencia irresistible de realidad.
En verdad, ni las revoluciones de carne y hueso son tan limpias, ni los revolucionarios lucen, en el mundo de grises y mezclas en que nos movemos los mortales, tan puros, coherentes, valientes y sacrificados como en las turbulentas páginas de la novela. ¿Por qué nos sugestionan tanto, entonces? ¿Por qué nos admiramos y sufrimos cuando Katow, encallecido aventurero, acepta una muerte atroz por su acción generosa, o cuando volamos hechos pedazos, con Tchen, debajo del auto en el que no estaba Chang Kai-Shek? ¿Por qué, si esos personajes son mentiras? Porque ellos encarnan un ideal universal, la aspiración suprema de la perfección y el absoluto que anida en el corazón humano. Pero, todavía más, porque la destreza del narrador es tan consumada que logra persuadirnos de la verosimilitud íntima de esos ángeles laicos, de esos santos a los que ha bajado del cielo y convertido en mortales del común, héroes que parecen nada más y nada menos que cualquiera de nosotros.
La novela es de una soberbia concisión. Las escuetas descripciones muchas veces transpiran de los diálogos y reflexiones de los personajes, rápidas pinceladas que bastan para crear ese deprimente paisaje urbano: la populosa Shangai hirviendo de alambradas, barrida por el humo de las fábricas y la lluvia, donde el hambre, la promiscuidad y las peores crueldades coexisten con la generosidad, la fraternidad y el heroísmo. Breve, cortante, el estilo nunca dice nada de más, siempre de menos. Cada episodio es como la punta de un iceberg, pero emite tantas radiaciones de significado que la imaginación del lector reconstruye sin dificultad, a partir de esa semilla, la totalidad de la acción, el lugar en que ocurre, así como los complejos anímicos y las motivaciones secretas de los protagonistas. Este método sintético da notable densidad a la novela y potencia su aliento épico. Las secuencias de acciones callejeras, como la captura del puesto policial por Tchen y los suyos, al principio, y la caída de la trinchera donde se han refugiado Katow y los comunistas, al final, pequeñas obras maestras de tensión, equilibrio, expectativa, mantienen en vilo al lector. En estos y algunos otros episodios de La condición humana hay una visualidad cinematográfica parecida a la que lograba, en esos mismos años, en sus mejores relatos, John
Dos Passos.
Un exceso de inteligencia suele ser mortífero en una novela, pues conspira contra su poder de persuasión, que debe fingir la vida, la realidad, donde la inteligencia suele ser la excepción, no la regla. Pero, en las novelas de Malraux, la inteligencia es una atmósfera, está por todas partes, en el narrador y en todos los personajes —el sabio Gisors no es menos lúcido que el policía König, y hasta el belga Hemmelrich, presentado como un ser fundamentalmente mediocre, reflexiona sobre sus fracasos y frustraciones con una claridad mental reluciente. La inteligencia no obstruye la verosimilitud en La condición humana (en cambio, irrealiza todas las novelas de Sartre) porque en ella la inteligencia es un atributo universal de lo viviente. Esta es una de las claves del "elemento añadido" de la novela, lo que le infunde soberanía, una vida propia distinta de la real.
El gran personaje del libro no es Kyo, como quisiera el narrador, quien se empeña en destacar la disciplina, espíritu de equipo, sumisión ante la dirigencia, de este perfecto militante. Es Tchen, el anárquico, el individualista, a quien vemos pasar de militante a terrorista, un estadio, a su juicio, superior, porque gracias a él —matando y muriendo— se puede acelerar esa historia que para el revolucionario de partido está hecha de lentas movilizaciones colectivas, en las que el individuo cuenta poco o nada. En el personaje de Tchen se esboza ya lo que con los años sería la ideología malrauxiana: la del héroe que, gracias a su lucidez, voluntad y temeridad, se impone a las "leyes" de la historia. Que fracase —los de Malraux son siempre derrotados— es el precio que paga para que, más tarde, su causa triunfe.
Además de valientes, trágicos e inteligentes, los personajes de Malraux suelen ser cultos: sensibles a la belleza, conocedores del arte y la filosofía, apasionados por culturas exóticas. El emblema de ellos es, en La condición humana, el viejo Gisors; pero también es de semejante estirpe Clappique, quien, detrás de su fanfarronería exhibicionista, esconde un espíritu sutil, un paladar exquisito para los objetos estéticos. El barón de Clappique es una irrupción de fantasía, de absurdo, de libertad, de humor, en este mundo grave, lógico, lúgubre y violento de revolucionarios y contrarrevolucionarios. Está allí para aligerar, con una bocanada de irresponsabilidad y locura, ese enrarecido infierno de sufrimiento y crueldad. Pero, también, para recordar que, en contra de lo que piensan Kyo, Tchen y Katow, la vida no está conformada sólo de razón y valores colectivos; también de sinrazón, instinto y pasiones individuales que contradicen a aquéllos y pueden destruirlos.
El ímpetu creativo de Malraux no se confinó en las novelas. Impregna también sus ensayos y libros autobiográficos, algunos de los cuales —como las Antimemorias o Les chenes qu'on abatAquellos robles que derribamos)— tienen tan arrolladora fuerza persuasiva —por la hechicería de la prosa, lo sugestivo de sus anécdotas y la rotundidad con que están trazadas las siluetas de los personajes— que no parecen testimonios sobre hechos y seres de la vida real, sino fantasías de un malabarista diestro en el arte de engatusar a sus semejantes. Yo me enfrenté al último de aquellos libros, que narra una conversación con De Gaulle, en Colombey les-deux-Églises, el 11 de diciembre de 1969, armado de hostilidad: se trataba de una hagiografía política, género que aborrezco, y en él aparecería, sin duda, mitificado y embellecido hasta el delirio, el nacionalismo, no menos obtuso en Francia que en cualquier otra parte. Sin embargo, pese a mi firme decisión premonitoria de detestar el libro de la primera a la última página, ese diálogo de dos estatuas que se hablan como sólo se habla en los grandes libros, con coherencia y fulgor que nunca desfallecen, terminó por desbaratar mis defensas y arrastrarme en su delirante egolatría y hacerme creer, mientras los leía, los disparates proféticos con que los dos geniales interlocutores se consolaban: que, sin De Gaulle, Europa se desharía y Francia, en manos de la mediocridad de los politicastros que habían sucedido al general, iría también languideciendo. Me sedujo, no me convenció, y ahora trato de explicarlo asegurando que Les chenes qu'on abat es un magnífico libro detestable.
No hay nada como un gran escritor para hacernos ver espejismos. Malraux lo era no sólo cuando escribía; también cuando hablaba. Fue otra de sus originalidades, una en la que, creo, no tuvo antecesores ni émulos. La oratoria es un arte menor, superficial, de meros efectos sonoros y visuales, generalmente reñido con el pensamiento, de y para gentes gárrulas. Pero Malraux era un orador fuera de serie, capaz (como pueden comprobar ahora los lectores de lengua española en la traducción de sus Oraciones fúnebres, aparecida en Anaya & Mario Muchnik Editores) de dotar a un discurso de una ebullición de ideas frescas y estimulantes, y de arroparlas de imágenes de gran belleza retórica. Algunos de esos textos, como los que leyó, en el Panteón, ante las cenizas del héroe de la resistencia francesa, Jean Moulin, y ante las de Le Corbusier, en el patio del Louvre, son hermosísimas piezas literarias, y quienes se las oímos decir, con su voz tonitronante, las debidas pausas dramáticas y la mirada visionaria, no olvidaremos nunca ese espectáculo (yo lo oía desde muy lejos, escondido en el rebaño periodístico; pero, igual, sudaba frío y me emocionaba hasta los huesos).
Eso fue también Malraux, a lo largo de toda su vida: un espectáculo. Que él mismo preparó, dirigió y encarnó, con sabiduría y sin descuidar el más mínimo detalle. Sabía que era inteligente y genial y a pesar de eso no se volvió idiota. Era también de un gran coraje y no temía a la muerte, y, por ello, pese a que ésta lo rondó muchas veces, pudo embarcarse en todas las temerarias empresas que jalonaron su existencia. Pero fue también, afortunadamente, algo histrión y narciso, un exhibicionista de alto vuelo (un barón de Clappique), y eso lo humanizaba, retrotrayéndolo de las alturas a donde lo subía esa inteligencia que deslumbró a Gide, al nivel nuestro, el de los simples mortales. La mayor parte de los escritores que admiro no hubieran resistido la prueba del Panteón; o su presencia allí, en ese monumento a la eternidad oficial, hubiera parecido intolerable, un agravio a su memoria. ¿Cómo hubieran podido entrar al Panteón un Flaubert, un Baudelaire, un Rimbaud? Pero Malraux no desentona allí, ni se empobrecen su obra ni su imagen entre esos mármoles. Porque, entre las innumerables cosas que fue ese hombre-orquesta, fue también eso: un enamorado del oropel y la mundana comedia, de los arcos triunfales, las banderas, los himnos, esos símbolos inventados para vestir el vacío existencial y alimentar la
vanidad humana. -Londres, marzo de 1999. (

Memoria del ideal clásico

7. La memoria del ideal clásico

La historia del arte guardó a través del tiempo un valioso tesoro, un ideal fuera del tiempo. Durante siglos en Occidente fue el reino del modelo griego. Los museos, las colecciones, los anticuarios, competían por poseer una copia antigua del original griego. Si lo pensamos bien, la influencia helénica sobre el imaginario del artista occidental ha sido realmente impresionante. El caso típico fue el renacimiento italiano que marcó a fuego el desarrollo del arte europeo. La belleza estaba, por definición, fuera del tiempo.

Desde el siglo XVI al XIX la obra maestra "existía en sí". La estética aceptada establecía una belleza mítica pero relativamente precisa, que se funda en lo que se creía era la herencia griega. La obra de arte intentaba aproximarse a una representación ideal. Una obra maestra de la pintura en el tiempo de Rafael es un cuadro que la imaginación no puede perfeccionar más. Apenas se la compara a las otras obras de su autor. No se la sitúa en el tiempo sino en una rivalidad - ante la cual se subordina toda otra rivalidad - que se enfrenta a la obra ideal que sugiere. (15)

La naturaleza misma estaba celosa de Rafael, como lo revela el epitafio platonizante que ilustra la tumba del pintor en el Panteón romano:

Ille hic est Raphael timuit quo sospiti vinci rerum magna parens et moriente mori. Rafael había alcanzado la perfección. Frente a este genio todos los precursores eran aprendices. Esa convicción definía la crítica de entonces, en todas las artes. Por ejemplo, el desprecio por el "arte bárbaro" personificado en el gótico

Se prejuzgaba que el escultor gótico había deseado esculpir una estatua clásica y que si no lo había logrado era por que no sabía cómo hacerlo. (18)

Llevó siglos para destruir esta desvalorización, para reformular la cuestión estética. Malraux da un testimonio de este pasaje del "pasado dorado" y de una perfección mítica a un presente realista donde coexisten múltiples jerarquías.

En las galerías principescas Italia era la reina. Ni Watteau, ni Fragonard, ni Chardin deseaban pintar como Rafael, pero no se consideraban como sus iguales. Existía un "pasado dorado" del arte. Se entraba en la Academia de la eternidad hablando italiano, aunque se lo hablara con el acento de Rubens. Para la crítica de entonces una obra maestra era una tela que "se sostenía" frente a la Asamblea de las obras maestras... Es así que la rivalidad de las obras entre sí había sido reemplazada por la rivalidad con una perfección mítica. (16)

El artista no competía con las demás obras humanas sino con la misma Belleza. Aquella que habían develado los grandes maestros griegos. Con el tiempo, empero, cambiaron los rivales.

Pero en este Diálogo con los Grandes Muertos - cosa que, se suponía, toda obra magistral debía establecer con la parte del museo establecida en la memoria- esta parte, incluso en la declinación del italianismo, estaba hecha de lo que tenían las grandes obras en común... La reproducción va a contribuir a modificar este diálogo, a sugerir y después a imponer, otra jerarquía. (16)

De alguna forma los museos comenzaron a expandirse cuando las artes dejaron de competir contra un ideal de belleza. Ese ideal implantaba la obra maestra en el centro del museo y en un lugar crucial de la memoria.

La reproducción masiva de las obras de arte, en cambio, nos ha ayudado a descentrar el espacio, a centrifugar las imágenes y a eliminar un orden jerárquico. Si esto es verdad para el Museo imaginario cuánto más lo será para el Museo virtual. En la red digital que cubre al planeta, todo nodo se convierte en centro. Hay centenares de millones de centros y cada página de museo en internet es un atractor local de un sistema dinámico. Hacia él convergen muchas trayectorias posibles, muchas sendas, muchas rutas en el mar de internet. El diálogo aislado con la obra magistral se convierte de esa manera en una polifonía. Y no existe un director de coro. Cada visitante del Museo virtual es un agente autónomo.

André Malraux

El Significado Último del Arte

André Malraux expresado en ocasión cercana a su muerte: "Distinguí dos lenguajes que oía simultáneamente desde hacía treinta años. El de la apariencia, el de una multitud que sin duda se había parecido a lo que yo veía en El Cairo: el lenguaje de lo efímero. Y el de la verdad, el lenguaje de lo eterno y lo sagrado. El arte no revela que los pueblos dependan de lo efímero, de sus casas y sus muebles, sino de la verdad que les tocó crear. Todo arte sagrado se opone a la muerte, porque no adorna su civilización, sino que la expresa, según su valor supremo".

9. El significado último del arte

No interesa tanto la forma ni la materia de la obra de arte como su significado, su intención. Sabemos que el artista trasciende al artesano, pero que hay artesanos que son artistas genuinos, que un objeto de culto puede convertirse en una obra maestra, pero que esta no siempre será objeto de culto. Como dice Malraux

si un crucifijo gótico se convierte en estatua porque es una obra de arte, la relación peculiar de sus líneas y volúmenes - que la hacen obra de arte - es la expresión artística de un sentimiento que no se limita a la voluntad del arte. No es el hermano de un crucifijo pintado por un ateo de talento, que sólo expresa su talento. Es un objeto, es una escultura, pero también es un crucifijo. (6)

Aquí reside el gran misterio de la creación artística. Una pintura puede ser un retrato, pero además nos dice algo que, a veces, ni siquiera el propio retratado sería capaz de expresar. El artista, el grande, pone una semilla de inmortalidad en su obra. El crucifijo que menciona Malraux es doblemente eterno, como encarnación de la belleza para todos los hombres y como testimonio del sacrificio divino para el cristiano. Esa permanencia incomprensible frente a la adversidad, esa fidelidad radical de la obra tiene un valor trascendente que será percibida por todos, creyentes y no creyentes por igual.

Para el no cristiano el pueblo de estatuas de las catedrales no expresa tanto a Cristo como expresa la defensa de los cristianos, por Cristo, contra el destino. (629)

El arte refleja entonces la lucha del hombre frente a un destino implacable, la superación del caos y de la muerte. Y lo que vale para la religión cristiana se extiende a todas las demás. Las puertas del Museo imaginario se abren a un nuevo ecumenismo.

La lección de los Budas de Nara o la de las danzas de la muerte de Shiva no son una lección de budismo o de hinduismo. El Museo imaginario es la sugestión de un vasto posible proyectado por el pasado, la revelación de fragmentos perdidos de la obsesiva plenitud humana, unidos en la comunidad de su presencia invencible. (637)

Para Malraux el Museo imaginario es muchísimo más que un repositorio, que un conservatorio de reproducciones. Es nada menos que el lugar de la reconciliación del hombre con sus hermanos, el lugar de encuentro del artista de hoy con el de ayer y de mañana. Esa plenitud humana desborda la singularidad en el tiempo y en el espacio porque

Cada una de las obras maestras es una purificación del mundo, pero su enseñanza común es la de su existencia, y la victoria de cada artista sobre su servidumbre converge en un enorme despliegue, el del arte sobre el destino de la humanidad. El arte es un anti-destino. (637)

Con esta frase "el arte es un anti-destino" está todo dicho. Malraux le asigna al arte una función humanizadora que no tiene fronteras de espacio ni de tiempo. El Museo imaginario, que él imagina, es el mundo de lo posible más que de lo actual, donde la obra de arte bien podría ser un proyecto irrealizado pero jamás irrealizable. Esta idea, como vimos antes, nos abre las puertas a una "interacción virtual" con la obra de arte de todas las épocas, incluso con la obra inconclusa que logramos completar y hasta con la obra nonata que podemos dar a luz. Los museos, reales, imaginarios y virtuales, nos ayudan a establecer una nueva relación con el pasado. Cumplen por eso una función irremplazable en la civilización.

La voz del artista saca su fuerza de que nace de una soledad que apela al universo para imponerle el acento humano, y en las grandes artes del pasado sobrevive para nosotros la invencible voz interior de las civilizaciones desaparecidas. (628)

Pero el museo para Malraux no es lugar de paz sino de lucha. Es un combate por la dignidad del hombre, por su valor trascendente.

Nuestra cultura no está hecha de pasados reconciliados sino de partes inconciliables del pasado. Sabemos que no es un inventario, que la herencia es metamorfosis y que el pasado se conquista. (631)

Y los valores se confrontan con el destino, rompen los límites de la condición humana. Suponen un enorme sacrificio, una conquista cotidiana sobre las "partes inconciliables del pasado". Los valores muertos pueden revivir.

Frente al cementerio de los valores muertos descubrimos que los valores viven y mueren en relación con el destino. Como los tipos humanos que expresan los valores más altos, los valores supremos son las defensas del hombre. Cada uno siente que el santo, el sabio, el héroe, son conquistas sobre la condición humana. (631)

Los valores supremos convergen pero no se mezclan, cada uno conserva su infinita singularidad y dignidad. Están siempre ligados a una promesa, a una salvación prometida.

Los santos del budismo no se parecen, no pueden semejarse ni a San Pedro, ni a San Agustín, tampoco Leónidas a Bayardo ni Sócrates a Gandhi. Y la sucesión de valores efímeros que acompañan una civilización: la conciencia del Tao, la sumisión hinduista al cosmos, la interrogación griega, la comunión medieval, la razón, la historia, nos muestran de manera aún más clara cómo declinan los valores cuando dejan de ser salvíficos. (631)

Malraux, en definitiva, va más allá el museo como templo del arte, propone la obra maestra, excelsa expresión del valor más puro, como una obra humana que lo trasciende y lo salva, en todas las épocas.

Es el arte en su totalidad, liberado por el nuestro, con el cual nuestra civilización, la primera que lo hace, afronta al destino. (631)

El artista contemporáneo ha puesto su objetivo final en la creatividad y reconoce este valor supremo en todas las culturas. Por esa razón

Somos nosotros y no la posteridad quienes revelamos un tesoro de siglos, desde que la creación se ha convertido para nuestros artistas en el valor supremo. Somos nosotros quienes arrancamos el pasado viviente del pasado de la muerte. (631)

Así como el arte es propiamente dicho es un "anti-destino", también

La historia en el arte tiene un límite que es el mismo destino puesto que no actúa en absoluto sobre el artista porque suscita clientelas sucesivas sino porque cada época implica una forma de destino colectivo y la impone a quien lucha contra él. (633)

Se está gestando de esta manera una cultura artística universal por primera vez en la historia, cuyos fundamentos son los mismos cimientos del Museo imaginario.

La primera cultura artística universal, la que va sin duda a transformar el arte moderno por quien ha sido orientada hasta ahora, no es una invasión sino una de las conquistas supremas de Occidente. (638)

En este fin de milenio nos reconocemos como los herederos de la grandeza de todas las culturas.

Si la calidad del mundo es materia de toda cultura, la calidad del hombre es su objetivo. Es ésta calidad que la hace no una suma de conocimientos sino una heredera de grandeza. Y nuestra cultura artística, que sabe que no se puede limitar al afinamiento más sutil de la sensibilidad, tantea las figuras, los cantos y los poemas que son la herencia de la más antigua nobleza del mundo, porque se descubre hoy como su única heredera. (638)

No importa que esta presencia del artista sea indiferente al universo de las cosas, la obra de arte es un don hecho al hombre.

Sin duda para un creyente este largo diálogo de las metamorfosis y de las resurrecciones se une a una voz divina porque el hombre no deviene hombre sino cuando persigue su parte más elevada. Pero también es bello que el animal que sabe que debe morir arranque a la ironía de las nebulosas el canto de las constelaciones y que lo arroje al azar de los siglos a los que impondrá palabras desconocidas. (639)

Muchas veces la meditación ante la obra de arte puede ser motivo de una profunda conversión espiritual. Hay muchos testimonios sobre esta metánoia. Uno de las más recientes y conmovedores está narrada en el libro de Henri J. M. Nouwen El regreso del hijo pródigo. Meditaciones ante un cuadro de Rembrandt9. La historia comienza en un Museo imaginario y culmina en el Hermitage. "Un encuentro aparentemente insignificante con una reproducción representando un detalle de El regreso del hijo pródigo de Rembrandt hizo que comenzara una larga aventura espiritual que me llevaría a entender mejor mi vocación y a obtener nueva fuerza para vivirla. Los protagonistas de esta aventura son un cuadro del S. XVII y su autor (Rembrandt), una parábola del siglo I y su autor (San Lucas, 15, 11 -32) y un hombre del siglo XX en busca del significado de su vida". Nouwen, sacerdote holandés y profesor en Harvard cuenta su primer contacto con esta obra maestra a través de un afiche en colores. "Vi a un hombre vestido con un enorme manto rojo tocando tiernamente los hombros de un muchacho desaliñado que estaba arrodillado ante él. No podía apartar la mirada. Me sentí atraído por la intimidad del hombre, el cálido rojo del manto del hombre, el amarillo dorado de la túnica del muchacho, y la misteriosa luz que envolvía a ambos. Pero fueron sobre todo sus manos, las manos del anciano, la manera cómo tocaban los hombros del muchacho, lo que me trasladó a un lugar donde nunca había estado antes". Ese detalle destacado en una reproducción encontrada por casualidad, en un cartel colgado en una pared desencadenó un rosario de eventos que llevó al autor a San Petersburgo, donde pudo contemplar, durante horas, el original de la obra genial, una de las últimas de Rembrandt, su compatriota. Nouwen confiesa "me acerqué a El regreso del hijo pródigo de Rembrandt como si se tratara de mi propia obra: un cuadro que contenía no sólo lo esencial de la historia que Dios quería que yo contara a los demás, sino también lo que yo mismo quería contar a los hombres y mujeres de Dios. Este cuadro se ha convertido en una misteriosa ventana a través de la cual puedo poner un pie en el reino de Dios".

Figura 4

La ventana abierta por la obra de arte se abre decididamente al mundo del espíritu

¿Qué importa Rembrandt a la deriva de las nebulosas? - se pregunta Malraux - Pero es el hombre lo que los astros niegan y es al hombre a quien habla Rembrandt. En el atardecer cuando Rembrandt todavía dibuja, todas las sombras ilustres, y aquellas de los dibujantes de las cavernas, siguen con la mirada la mano dubitativa que les prepara su nueva sobrevida o bien su nuevo sueño. Y esta mano, cuyo temblor en el crepúsculo acompañan los milenios, tiembla con una de las formas secretas, una de las más altas, aquella de la fuerza y del honor de ser hombre. (640 )

Así concluye Malraux su libro y al salir de su Museo imaginario nos franquea generosamente las puertas del Museo virtual10 del siglo XXI para que compartamos con nuestros hermanos el honor de pertenecer a la familia humana.

Identifican la parte del cerebro que causa la genialidad artística

La teoría se basa en que cuando una zona cerebral en particular no trabaja

en forma apropiada, otra "destapa" sus habilidades.

Científicos estadunidenses y australianos identificaron la parte del cerebro que puede dar origen a los genios artísticos. El descubrimiento se hizo después de realizar estudios a personas que padecen autismo y demencia.

Se estima que esta clase de genios son muy poco frecuentes, al grado de que se piensa que sólo exisen 25 en todo el mundo.

En pruebas recientes, cinco voluntarios encontraron que sus habilidades mejoraron después de que un área particular del cerebro fue "apagada".

Ahora, dos científicos identificaron el área del cerebro que puede ser la llave de la explicación.

Bruce Miller, especialista en demencia de la Universidad de California, encontró que algunos de sus pacientes desarrollaban talentos artísticos.

Después de realizar un barrido electrónico en sus cerebros, encontró que esa misma parte del cerebro la tenía dañada un estadunidense de nombre Dane Bottino, que es un genio artístico de 11 años de edad.

Por su parte Allan Snyder, profesor de la Universidad Nacional Australiana, también investigó por qué los eruditos tienen talentos impresionantes cuando presentan problemas severos en otros sentidos.

Snyder afirma que toda la gente puede llegar a penetrar a esa parte del cerebro.

Su teoría se basa en que cuando una parte específica de ese órgano no trabaja en forma apropiada, otra área "destapa" sus habilidades. Identifican la parte del cerebro que causa la genialidad artística.

Crítica a la película Apocalypto de Mel Gibson

Por los científicos y estudiantes del Departamento de Antropología de las Américas de la Universidad de Bonn, Alemania

El 14 de diciembre se estrenó en los cines alemanes la película Apocalypto, en la cual su director Mel Gibson presenta una imagen distorsionada de la cultura Maya precolombina. Esta es representada como una sociedad bárbara, dirigida por principios religiosos errados, cuya brutalidad la lleva al ocaso y sólo la llegada de los conquistadores y misionarios españoles constituye su salvación. Gibson se sirve de esta representación de los mayas sutilmente como analogía para la actual sociedad occidental y su inevitable destino. De esta manera crea una imagen grotesca de esta cultura mesoamericana que no corresponde a la realidad histórica.

Gibson compensa la falta de temática con una exacerbada muestra de escenas violentas sin sentido que en la mayoría de los casos son producto sólo de su invención y no corresponden al contexto socio-político y religioso real que es posible reconstruir científicamente. Agresiones bélicas eran, al igual que en otras culturas, para la apropiación de recursos ajenos. Sacrificios humanos eran como en toda cultura antigua parte de un sistema religioso complejo. En la película se presentan matanzas que carecen de fundamentos. El director aplica la propaganda colonial de desvalorización cultural de los Aztecas sobre la ya 300 años antes extinta cultura maya de la época clásica.

Aspectos sobresalientes de esta cultura como el desarrollo de una escritura y un calendario que se constituía sobre un sistema matemático el cual conocía el número cero no sólo quedan totalmente desapercibidos en la película, sino que se les desconoce su conocimiento astronómico, ya que se muestra a los “agresores” maya sorprendidos frente a un eclipse solar, el cual ellos hubiesen podido calcular perfectamente.

Esta forma de presentación contribuye a desprestigiar la imagen de los mayas frente al espectador como un pueblo inculto y primitivo. Y no sólo eso, sino que esta película tiene el potencial de contribuir con el racismo ya existente en contra de la actual población maya (aprox. 8 millones de personas) en los estados de México, Guatemala, Belice, Honduras y El Salvador.

La guerra civil en Guatemala en la cual 200.000 de personas, en su mayoría mayas, perdieron la vida y más de un millón de mayas fueron desplazados, terminó hace diez años gracias a un tratado de paz. En medio de este trasfondo violento la población indígena intenta en la actualidad lentamente volver a vivir su identidad sin temores, ni prejuicios. El reconocimiento de los logros de la cultura maya precolombina ayudan a fortalecer esta identidad; un proceso que es acompañado y apoyado por parte de científicos y ONGs. Los cerros de cadáveres en la obra de Gibson, que ciertamente no son una casual reminiscencia visual a los campos de concentración de los nazis en Auschwitz y Bergen-Belsen, tergiversan la realidad y de esta manera socavan esta identidad que poco a poco se está recuperando. Víctimas se convierten en agresores en esta película. Agresores que merecen su caída, la evangelización católica y los 500 años de dominio colonial, y víctimas que justifican su genocidio.

Como científicos y estudiantes de la Antropología de las Américas en la Universidad de Bonn nos distanciamos de la forma de presentación de la cultura maya en Apocalypto. Esta película provoca daños.

OTRA INF. TOMADA DE WIKIPEDIA

• Si bien muestra vestimentas y ciudades (parecidas a la maya Palenque) de la época clásica maya (entre el siglo V y el siglo X), la película concluye con la llegada de los descubridores españoles, la cual no se produjo hasta 1502 (primer contacto con los nativos del continente en el Cuarto Viaje de Cristóbal Colón).
• La [población maya de México cayó drásticamente en el 900, seiscientos años antes de la llegada de los conquistadores. Sólo quedaban algunos cientos en la región que antes ellos ocupaban, desperdigados en pequeñas ciudades. Sin embargo, a pesar de que los mayas ya habían perdido gran parte de su población cuando llegaron los españoles, aún existían ciudades comparativamente grandes en la región de Yucatán como Mayapán, Coba, Cam-Pech,Chetumal, y Utatlán en Guatemala.
• Los descubridores españoles mostrados en la cinta parecieran coincidir con la descripción del desembarco de Hernán Cortés en tierras totonacas en el actual estado mexicano de Veracruz, en donde fundó la Villa Rica de la Veracruz (actual puerto de Veracruz) y que dista más de 1000 kilómetros de Tikal en Guatemala (aparente ciudad mostrada en la cinta) distancia que sería imposible recorrer en una noche de persecución sufrida por el protagonista.^{[cita requerida]}
• Es imposible que el paisaje mostrado en la cinta corresponda a la península de Yucatán^{[cita requerida]}, ya que ésta, por ser tierras emergentes de hace relativamente pocos millones de años, no cuenta con montañas ni ríos superficiales, sino que las corrientes de agua corren en ríos subterráneos llamados cenotes excavados naturalmente en la roca caliza.
• El idioma utilizado en la película es un dialecto antiguo del maya yucateco pero no es moderno como se creía.^{[cita requerida]}
• Las facciones de los actores y actrices principales no son de mayas, sino de nativos estadounidenses.^{[cita requerida]}
• Los actores mexicanos indígenas tienen facciones duras y narices prominentes y huesudas, que los asemejan más bien a los aztecas.^{[cita requerida]}
• Pocos actores poseen el genotipo quichés (que son uno de los grupos indígenas guatemaltecos que descienden directamente de los mayas, de rostros más redondos, con más tejido adiposo, narices chatas y redondeadas).
• Uno de los personajes se llama Cero Lobo. Pero en América Central no había (ni hay) lobos.
• El personaje central de la película es salvado milagrosamente por un eclipse de Sol. Sin embargo, cuando -luego de muchas vicisitudes- logra escapar, al caer la noche, se observa una gran Luna llena, situación imposible ya que los eclipses de Sol ocurren cuando hay Luna nueva, la Luna no es visible en los días previos y posteriores al eclipse de Sol.
• La escena en la que el protagonista consigue salvarse de ser sacrificado, muestra un eclipse solar de principio a fin, el cual transcurre en pocos segundos, en realidad la duración de un eclipse solar es de horas.
• La cascada que se muestra en la escena de la persecucion esta localizada en el municipio de San Andrés Tuxtla, Veracruz y se llama Salto de Eyipantla.
• Para la llegada de los españoles las ciudades tanto de Palenque como de Tikal se encontraban ya abandonadas.
• La escena donde se está realizando la venta de las mujeres, se puede ver a uno de sus habitantes comiendo un mango (incluso se aprecia un puesto de venta de este fruto). Es un anacronismo más, pues el mango es originario de la India y fue traído al Nuevo Mundo por los portugueses.

Datos triviales [editar]

• El término griego apocalipto (αποκαλύπτω) es la forma de primera persona del presente del verbo que significa ‘yo revelo’, ‘yo descubro’. Este verbo es el mismo del que procede la palabra apocalipsis, la cual en griego significa simplemente ‘revelación’.

Polémica [editar]

El filme desató una furiosa polémica entre los estudiosos del mundo maya.^[1] Después, activistas indígenas de Guatemala pidieron al público que no acudiera a las salas. El 25 de enero de 2007 el periódico Reforma publicó la defensa de Gibson ante estos ataques:

No mostré ni la mitad de las cosas que leí. Leí acerca de una orgía de sacrificios: en cuatro días sacrificaron 20 000 personas. También tenían afición por empalar genitales y por torturar a personas durante años. Por ejemplo, si capturaban a un rey o a una reina de algún otro lugar, lo humillaban durante una década. Le cortaban los labios, le arrancaban la lengua, lo dejaban sin ojos ni orejas. Ah, y le comían los dedos. El tipo quedaba vivo, pero en un infierno sobre la Tierra, una masa balbuceante de terminales nerviosas. Después de nueve años de esto, lo enrollaban y lo dejaban caer por las escaleras del templo, y se hacía pedazos.

Mel Gibson se refiere a la Relación de las cosas de Yucatán (1566), del sacerdote católico franciscano Diego de Landa (1524-1579), donde afirma haber sido testigo de sacrificios humanos y de las costumbres de los mayas. El texto de Landa contradice las opiniones del padre Bartolomé de las Casas (1474-1566), quien en su Breve resumen del descubrimiento y destrucción de las Indias (1542) cuenta acerca de la naturaleza y costumbres de los pueblos originarios de América Central. Algunos estudiosos del mundo maya están en desacuerdo con la visión romántica que persiste sobre los mayas. “Los primeros investigadores trataron de hacer una distinción entre los ‘pacíficos’ mayas y las ‘brutales’ culturas de México central”, escribió David Stuart en un artículo de 2003. “Decían incluso que el sacrificio humano era raro entre los mayas”. Pero (sin embargo) tanto en los entallados en piedra como en las pinturas murales, afirma Stuart—:

hemos encontrado más y más similitudes entre los aztecas y los mayas,

—incluyendo una ceremonia maya en que un sacerdote grotescamente ataviado le saca las entrañas a una víctima aparentemente viva durante un sacrificio^[2] e incluso sacrificios de niños.^[3]

En los rituales mayas los prisioneros de guerra eran, de hecho, sacrificados “en la cima de la pirámide […] teniendo sus brazos y piernas sostenidas mientras un sacerdote les abría el pecho con un cuchillo sacrificial y arrancaba el corazón como una ofrenda”.^[4] En la misma prensa mexicana, en un artículo de Reforma, Juan E. Pardinas escribió:

La mala noticia es que esta interpretación histórica tiene alguna dosis de realidad […]. Los personajes de Mel Gibson se parecen más a los mayas de los murales de Bonampak que a los que aparecen en los libros de la SEP.^[5]

El debate entre los especialistas continúa hasta hoy día. Desde que se descifraron los jeroglíficos la visión del mundo maya ha cambiado. Michael Coe explica el gran cambio producido por los nuevos estudios de la civilización maya:

Ahora es sorprendentemente claro que los mayas de la época clásica, y sus antecesores del Preclásico, eran gobernados por dinastías hereditarias de guerreros, para quienes el autosacrificio y el derramamiento de la sangre, y el sacrificio de la decapitación humana eran obsesiones suprema

Arte y Educación

Hola querido Chito, efectivamente, la película no merece tanto análisis, solo nos da el pretexto y ocasión para platicar, plantear, compartir y enriquecernos con otros temas interesantes, complejos y alucinantes como el arte.

Revisar nuestros conceptos, enriquecerlos o confirmarlos. La ventaja de hacerlo por escrito es que podremos profundizar más allá de las meras opiniones.

Retomaré más adelante la película, (en otro envío) solo porque fue el tema de partida, para encontrar el pretexto de abordar otros temas de interés para mi: educación, la importancia del mito, en este caso, en las culturas precolombinas, y por lo tanto en la película y seguir tanteando, a ciegas, el tema del arte, espero Iván nos siga auxiliando con sus interesantes aportaciones.

También espero los demás se animen y se metan su cuchara a la conversación y nos ayuden a desenredar la enorme madeja.

Oye, uf! Qué bueno que terminaste por concluir que solo hay dos tipos de arte, el que no te gusta y el que te gusta; y no que de tu arte a mi arte… mejor miarte. Ja ja

Bueno, como el tema es por demás complejo, basto e inaprensible, iré paso a paso, espero no terminar haciéndome bolas, también regresaré a las definiciones para no perderme en este mar y explorar mi planteamiento, con este hilo conductor, los invito a profundizar juntos en el tema. Espero no terminemos en que este tema es una "aporía" (solo para ir calentando los motores filosóficos ja ja) y renunciemos al intento de definirlo e intentar llegar a su esencia.

Así que nos aventamos el clavado; ¡preparen el snorkel! porque creo que solo lograremos bucear en la superficie.

Como sabemos, el arte y la experiencia artística siempre ha existido, con doctos análisis o sin ellos. No obstante, el conocimiento, análisis que tenemos acerca de él, lo aporta la filosofía, a través de la estética y esto hará complejo el abordaje.

Así que, para iniciar, entendamos por estética a lo concerniente a la sensación, percepción, conocimiento de lo bello, elijan: La ciencia que trata de la belleza (¡ojo!, no de lo cursi y estereotipado: “ay que bonito”) y de la teoría fundamental y filosófica del arte.

Doctrina de la sensibilidad, la intuición y manifestación sensible en la naturaleza, en el arte y su referencia a las facultades humanas.

La ciencia de la percepción sensible.

Ciencia del conocimiento sensible cuyo objeto es determinar la "esencia" de lo bello.

Y aquí están unas claves: “conocimiento, belleza y esencia”, por tanto, implica la facultad humana que nos permite acceder a lo que es en sí el objeto, su verdad inherente o esencia, (ojo, implícitamente da por hecho que existe una esencia, y que esta es factible de ser conocida, o sease, una VERDAD y que lo distingue de todo lo demás, haciéndola ser lo que es, y no otra cosa diferente. (esto será importante para las definiciones posteriores). Está afirmando que la belleza posee una esencia que lo distingue de lo que no lo es, lo feo (impresión desagradablemente a los sentidos, generando una experiencia de aversión hacia el objeto). De lo espantoso, mejor ni hablamos…ja ja

En cambio, el Existencialismo –Sartre, Heidegger- por el contrario, afirma que no existe una esencia previa a la existencia, que la esencia es mera y radical libertad).

Bien, analicemos ahora el tema de "la Belleza"

Según Kant, es la cualidad o modo de ser de lo bello, que, sin excitar inmediatamente ansia de posesión, provoca una complacencia pura, desinteresada, por "ser en sí" acabado, o sea, una unidad en la multiplicidad. Para él, lo estético es un juicio subjetivo, no un valor en sí mismo, sino que se halla en relación con el sujeto. Para él la sede de la belleza es el juicio de agrado de la facultad del juicio estético dotada de validez universal, para la cual lo bello se presenta necesariamente en la forma de finalidad, aunque sin tener “objetivamente” un fin utilitario.

Para Tomás de Aquino, una armonía en todas sus partes.

Para Platón, un "acuerdo" logrado entre la imagen y el arquetipo en la manifestación o fenómeno y la esencia inteligible de un ser.

Para Schiller, lo bello, en cuanto auto-manifestación de lo espiritual en lo sensible, la “"libertad en la manifestación".

Para Hegel, es la manifestación sensible de la idea absoluta. El modo fundamental de la autorrealización del espíritu absoluto por medio del hombre., como se ve, implica ya una filosofía metafísica del arte. Atribuye no un carácter de ilusión, sino de manifestación de la verdadera realidad, como una conciliación entre belleza y verdad.

Para Jaspers (existencialista), la actitud estética es una contemplación con placer y sin compromiso, en la que se resuelve toda problemática de la existencia. Jaspers afirma que la transformación decisiva de la existencia humana, en el acto de percatarse de lo trascendente, de Dios.

Para Hiedegger, lo estético es una forma fundamental de subjetividad que se saborea a sí misma, y todo lo que se le presenta lo refiere como objeto exclusivamente a sí mismo y encubre en el arte el imperativo de la verdad como tal.

Para Nietzsche es la verdad como derivada de la belleza trágica, es la auto-intuición del mundo de las contradicciones. (por cierto, muy al modo del mito, ya les hablaré de él porque estoy releyendo sobre este fascinante tema).

Adelanto algo: El mito logra hacer coexistir bien y mal en un mismo fenómeno. “Un mito es una gran imagen controladora que da sentido filosófico a los hechos de la vida ordinaria, es decir, tiene un valor organizador para la experiencia. El mito es indispensable para cualquier forma de creencia… Los mitos, al igual que las imágenes poéticas, revelan y ocultan al mismo tiempo; el significado se adivina en vez de definirse, es implícito en vez de ser explícito, sus historias, imágenes, alegorías, parábolas y símbolos, sugieren en lugar de afirmar.” (muy al modo del arte)

Posteriormente surge una corriente que intenta liberar el arte de la consideración meramente estética y crear una ciencia autónoma del arte. De plano, me adhiero a la de estos muchachos Platón, Tomás, Nietzsche, pero si intentásemos integrarlas eclécticamente, por lo menos las mas armónicas, ¿qué quedaría?.

Según investigué, Platón, Aristóteles, Tomás de Aquino y Plotinio abordaron el tema inicialmente. Pero, posteriormente, se hace a la estética dependiente del conocimiento psicológico y actualmente se le considera una vivencia de VALORES, dentro del campo de la axiología ¡cáete muerto Chito!

También se le considera como reflexión sobre el arte y se divide en: cuando intenta llegar a la esencia de lo bello, y, cuando parte del análisis de la obra de arte por inducción para llegar a la experiencia estética. Nosotros intentamos la teorética ahora y en el análisis de la película en la práctica.

Agrego, nomás por gusto, que en la educación, se educa para la contemplación, para la apreciación y goce estéticos. Para la experiencia sensible y creativa de los valores. Educere: extraer la sensibilidad, los valores, la percepción individual de la realidad, las necesidades psicológicas individuales. Educare , desarrollar las capacidades creativas de la persona; vincular el arte a la vida y a la naturaleza. Aprender a crear para aprender a captar o al revés.

El arte es una recreación selectiva de la realidad de acuerdo con los valores y juicios metafísicos del artista." Ayn Rand

Bueno, dado que el ser humano es un ser inacabado, dinámico y en evolución constante, la cultura que crea se mueve con él y por lo tanto el arte va cambiando y transformándose con él, sus criterios, no son una piedra estática, pero el arte siempre es reconocible. En este sentido, el arte refleja al individuo, su dinamismo y también el momento histórico y cultural del artista.

Entonces, las definiciones del arte han cambiado, sin embargo, el arte sigue siendo uno y distinguible para todas las culturas, porque mientras se conserve lo esencial, seguirá siendo arte, aunque lo secundario siga modificándose según la cultura, civilización y avances científicos. De allí que lo central de nuestra conversación, sería descubrir la esencia del arte, aquello que lo hace ser lo que es, y no algo diferente, sus notas características que lo distingue de otras expresiones humanas subjetivas.

De las definiciones que comentas, ésta abajo, me parece más completa que la de wilkipedia, pues logra enmarcar más específicamente lo que es y lo que no es arte, integra más notas características y exclusivas y apunta más a lo esencial del arte en sí.

ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética." (las cursivas son mías)

Sin embargo, cabe preguntarle a esta definición, para evaluar su validez: por ejemplo, cuándo yo hablo por teléfono, acostumbro garabatear cosas en un papel, ¿estoy haciendo arte? Es algo subjetivo, expresa algo significativo, especialmente para un psicólogo, es catártico y puede salir feo o bonito y puede comunicar algo a los demás. La definición contestaría que sí, y yo afirmo que no.

Y pregunto: en el arte, además de subjetividad ¿también se requiere intencionalidad, conocimiento, creatividad, genio, talento? Y también vale preguntarnos: ¿es el arte, a la vez que una expresión individual, una forma de conocimiento? Tiene sentido la pregunta dado que el conocimiento, se realiza a través de la percepción, la imaginación, la memoria y el pensamiento o reflexión. O por el contrario ¿es fundamentalmente una experiencia? Entendiendo por experiencia, una forma especial del conocimiento que no procede del pensamiento discursivo, sino de la aprehensión inmediata de algo dado que se atestigua irresistiblemente la presencia de lo experimentado. La tercera opción podría ser ecléctica, integrando conocimiento y experiencia a la vez. (las percepciones sensibles de los objetos, pero fragmentadas) e internas (aprehensión de estados anímicos o también, percatarse de realidades trascendentes, integradoras, superiores, totales).

Actividad humana objeto de juicio estético. Donde los criterios básicos para definir el arte son: su origen en la conducta del hombre y su función prioritariamente estética. Así, el valor estético de una obra de arte radica en su belleza. Comento que las teorías sobre el valor estético se clasifican en "objetivistas" (la belleza es algo inherente a la propia obra; b) "subjetivistas" (la belleza es una reacción subjetiva del espectador); y las que según yo, siempre tienen la razón porque concilian los extremos, c) "eclécticas", (concilian lo subjetivo y objetivo).

Me gusta porque no deja fuera el tema de la belleza, de la estética y afirma la subjetividad humana, e implica la reflexión filosófica que le da origen, con sus inevitables diferentes corrientes, afines o contradictorias, para variar. Sin embargo, les comento que, al parecer, otras definiciones, muy modernas, intentan dejar fuera el tema de la estética en la apreciación del arte.

Otro manera de aproximarnos a la comprensión del arte, es dejarnos guiar por los creadores mismos, por los grandes artistas que han marcado las pautas con sus aportaciones desde su muy autorizada experiencia y particularísima percepción y aportación a la evolución del arte, de la percepción, la sensibilidad y experiencia de una civilización.

¿O por los cuestionables y odiados críticos?, que analizan desde la barrera las obras, o por la aprobación o desaprobación del público al que va dirigido. Elijan.

Uf! Esto de plano ya se puso muy, muy requetecomplejo. Y como tú dices, para conservar la cordura, mejor lo podríamos reducir a lo que me gusta o no me gusta. Pero entonces, no habría nada que agregar, o discernir, pues eso es muy respetable e indiscutible. Así que aquí algunas que encontré en Internet, y que por supuesto, apoyan mi visión, espero sean fidedignas.

"La belleza es verdad y la verdad belleza -no hace falta saber más que esto en la tierra." John Keats

El arte es el placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también ésta tiene alma. Aguste Rodin

Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma. G. Bernard Shaw

El arte es sobre todo un estado del alma. Marc Chagall

El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad. Picasso.

Lo más bello que podemos experimentar es el misterio. Es la fuente de todo arte verdadero y de toda ciencia. Albert Einstein.

Una obra de arte es un gozo eterno. J. Keats

Todo pasa. Sólo el verdadero arte es eterno. John Keats (poeta inglés, romanticismo)

Por otra parte, tras la decadencia de la filosofía del arte, entra en juego la psicología, para determinar la esencia del arte a través de sus diferentes corrientes. Delinea el arte como, la forma como en una sola obra humana, se hace presente, "intuitivamente" (nota mia: facultad espiritual) al hombre, el todo del ente, del Ser, la verdad o la manera como el mundo, a la inversa, el hombre de una época histórica se ve llevado por tal obra ante la verdad y a la reflexión sobre su propia "esencia" (Heidegger).

"El arte da al hombre la experiencia de vivir en un mundo donde las cosas son como deberían ser. Esta experiencia es de crucial importancia para él: Es su salvavidas psicológico. Dado que la ambición del hombre no tiene límite, dado que su búsqueda y logro de valores es un proceso que dura toda la vida -y cuanto más elevados los valores, más dura es la lucha-, el hombre necesita un momento, una hora, cierto período de tiempo en el cual pueda experimentar el sentido de su tarea terminada, el sentido de vivir en un Universo donde sus valores hayan sido exitosamente realizados. Es como un descanso, un momento de repostar combustible mental hacia nuevos logros. El Arte le da este combustible, un momento de alegría metafísica, un momento de amor por la existencia. Como un faro, alzado sobre los oscuros cruces de caminos del mundo, diciendo -Esto es posible". Ayn Rand

Sin embargo, el arte se pervierte (volver malo o inmoral) cuando se convierte en instrumento ideológico, reductivo y en lugar de una reconciliación positiva con una verdad total que se ha de hacer patente, pasa a primer plano la función negativa de una crítica de la actual situación del mundo (adorno). Heidegger (existencialista).

Desde este enfoque, implica entonces que el arte implica también un "valor" moral para la cultura y la civilización y espiritual en su intencionalidad.

Pienso en la extraordinaria propaganda visual que creo Leni Riefenstahl, para apoyar el nazismo, todo un hito cinematográfico, extraordinariamente innovadores sus documentales.

Veamos otras desviaciones:

"Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta" Picasso.

"El arte jamás ha de intentar ser popular. El público es el que ha de intentar ser artista." O. Wilde

Por otra parte, según leí, la palabra arte proviene de un antiguo vocablo de origen pre-helénico (“artao”), que viene a significar “aquello que debe ser juntado, unido” o “algo que une”. De esta manera, en sus orígenes, el Arte sería todo aquello que tiende a unir partes separadas. Pero, ¿a qué tipo de partes nos referimos?. Principalmente, el arte extrae algo interno del creador para expresarlo subjetivamente, y a la vez, hace objetivo y concreto externamente para sí mismo y para los demás.

Al lograr articularlo conscientemente, toma una nueva dimensión, mas clara y definida para sí mismo y para los demás, en este sentido contiene una revelación. Lo que se percibía fragmentado, encuentra su unidad intrínseca –nuevamente como lo logra el mito. Pone afuera algo que surge de adentro y que puede experimentarse internamente de manera vaga o no totalmente definida. De este modo, al arte podría comprenderse como un modo de comunicación de la más profunda esencia e individualidad, y considero esta sí es una finalidad fundamental del arte.

“Sin una audiencia, sin la presencia de espectadores, estas joyas no alcanzarían la función para la cual fueron creadas. El espectador, por tanto, es el artista final. Su vista, corazón, mente—con una mayor o menor capacidad para entender la intención del creador—da vida a las joyas.” Dalí

Es innegable, y aquí seré fácil que coincidamos, que en el arte, el ser humano expresa su subjetividad, su individualidad, su unicidad, su percepción particular, interpretación del mundo, necesidades psicológicas, su visión ética, religiosa, económica y política. La subjetividad es pues connatural al arte: "No tengo por qué recordarte que la expresión es en sí misma es el supremo y único modo de vida para un artista." O. Wilde

"El arte es la forma más intensa del individualismo que el mundo ha conocido." O. Wilde

Es por la subjetividad, por que es el individuo como único e irrepetible quien se manifiesta a través de la obra de arte, por eso son únicas, por eso los grandes maestros, las grandes obras, manifiestan una visión única, creativa del mundo, y en ese sentido, revelan un fragmento más de la gran totalidad, al resto de la humanidad. El verdadero artista tiene una conexión interna más profunda con su espíritu, con la fuente de la creatividad, mucho más clara que los demás. Todo individuo contiene una subjetividad y percepción particular, pero no todo individuo tiene establecida esa conexión interna, ni el talento, genio más allá del promedio, y eso es lo que hace la diferencia entre maestros o discípulos, entre las grandes obras y las menores.

Los artistas menores simplemente los imitan, o crean desde la mente discursiva, el intelecto, pero no desde la fuente original de la que surge la genuina creatividad. Solo continúan la escuela y la corriente o propuesta de los autores verdaderamente innovadores, se suben simplemente al camión de los que realmente crean y que logran transformar la visión limitada de una época. Sin lograr la maestría, el genio de los verdaderamente grandes artistas. Estos son los que marcan nuevos horizontes, más amplios. Al explorar y sostener una conexión más profunda con su espíritu hacen visible y posible una realidad más profunda para todos.

Por ejemplo, dicen que Beethoven decía que Dios hablaba a otros autores, pero que a él le gritaba!, Otros autores clásicos declararon que ellos no creaban, simplemente escuchaban esos sonidos en su interior.

“El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar escenas extraordinarias en medio de un desierto vacío. El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar pacientemente una pera rodeado de los tumultos de la historia”. S. Dalí.

Aquí colocaría la obra de El grito, tan profundamente perturbadora y reveladora de la angustia de la locura y desesperación humana, de los estados límites del hombre. Y esto es verdad, bueno y bello en su terrible expresión, nos revela nuestro propio inconsciente, nuestro miedo a la locura, por eso nos perturba. Nadie antes había podido plasmar con tanto realismo la profunda angustia de la locura. Un volcán en erupción no es estereotipadamente bonito, es impactante, poderoso, terrible y bello en su armónico y alucinante poder destructor. El arte es estético pero también tiene un poder catártico, nos conecta con emociones y pasiones que tienden en direcciones opuestas, así el arte facilita el equilibrio y la expresión de lo inconsciente y reprimido.

"Si yo pinto mi perro exactamente como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte." Johann W. von Goethe.

El arte debe ser gusto, diversión y alucinación. Naguib Mahfuz

En fin, sabemos que el arte ha evolucionado y diversificado sus formas de expresión, sus intenciones, sus técnicas, escuelas, corrientes, temas, etc. Así no es lo mismo las pinturas rupestres con " la Venus" Hola querido Chito, efectivamente, la película no merece tanto análisis, solo nos da el pretexto y ocasión para platicar, plantear, compartir y enriquecernos con otros temas interesantes, complejos y alucinantes como el arte. Revisar nuestros conceptos, enriquecerlos o confirmarlos. La ventaja de hacerlo por escrito es que podremos profundizar más allá de las meras opiniones.

Retomaré más adelante la película, (en otro envío) solo porque fue el tema de partida, para encontrar el pretexto de abordar otros temas de interés para mi: educación, la importancia del mito, en este caso, en las culturas precolombinas, y por lo tanto en la película y seguir tanteando, a ciegas, el tema del arte, espero Iván nos siga auxiliando con sus interesantes aportaciones. También espero los demás se animen y se metan su cuchara a la conversación y nos ayuden a desenredar la enorme madeja.

Oye, uf! Qué bueno que terminaste por concluir que solo hay dos tipos de arte, el que no te gusta y el que te gusta; y no que de tu arte a mi arte… mejor miarte. Ja ja

Bueno, como el tema es por demás complejo, basto e inaprensible, iré paso a paso, espero no terminar haciéndome bolas, también regresaré a las definiciones para no perderme en este mar y explorar mi planteamiento, con este hilo conductor, los invito a profundizar juntos en el tema. Espero no terminemos en que este tema es una aporía (solo para ir calentando los motores filosóficos ja ja) y renunciemos al intento de definirlo e intentar llegar a su esencia. Así que nos aventamos el clavado; ¡preparen el snorkel! porque creo que solo lograremos bucear en la superficie.

Como sabemos, el arte y la experiencia artística siempre ha existido, con doctos análisis o sin ellos. No obstante, el conocimiento, análisis que tenemos acerca de él, lo aporta la filosofía, a través de la estética y esto hará complejo el abordaje.
Así que, para iniciar, entendamos por estética a lo concerniente a la sensación, percepción, conocimiento de lo bello, elijan:

La ciencia que trata de la belleza (¡ojo!, no de lo cursi y estereotipado: “ay que bonito”) y de la teoría fundamental y filosófica del arte.

Doctrina de la sensibilidad, la intuición y manifestación sensible en la naturaleza, en el arte y su referencia a las facultades humanas.

La ciencia de la percepción sensible.

Ciencia del conocimiento sensible cuyo objeto es determinar la esencia de lo bello.

Y aquí están unas claves: “conocimiento, belleza y esencia”, por tanto, implica la facultad humana que nos permite acceder a lo que es en sí el objeto, su verdad inherente o esencia, (ojo, implícitamente da por hecho que existe una esencia, y que esta es factible de ser conocida, o sease, una VERDAD previa a la experiencia y conocimiento, y que lo distingue de todo lo demás, haciéndola ser lo que es, y no otra cosa diferente. (esto será importante para las definiciones posteriores). Está afirmando que la belleza posee una esencia que lo distingue de lo que no lo es, lo feo (impresión desagradablemente a los sentidos, generando una experiencia de aversión hacia el objeto). De lo espantoso, mejor ni hablamos…ja ja

En cambio, el Existencialismo –Sartre, Heidegger- por el contrario, afirma que no existe una esencia previa a la existencia, que la esencia es mera y radical libertad).

Bien, analicemos ahora el tema de la Belleza:

Según Kant, es la cualidad o modo de ser de lo bello, que, sin excitar inmediatamente ansia de posesión, provoca una complacencia pura, desinteresada, por ser en sí acabado, o sea, una unidad en la multiplicidad. Para él, lo estético es un juicio subjetivo, no un valor en sí mismo, sino que se halla en relación con el sujeto. Para él la sede de la belleza es el juicio de agrado de la facultad del juicio estético dotada de validez universal, para la cual lo bello se presenta necesariamente en la forma de finalidad, aunque sin tener “objetivamente” un fin utilitario.

Para Tomás de Aquino, una armonía en todas sus partes.

Para Platón, un acuerdo logrado entre la imagen y el arquetipo, en la manifestación o fenómeno y la esencia inteligible de un ser. Para Schiller, lo bello, en cuanto auto-manifestación de lo espiritual en lo sensible, la “libertad en la manifestación.

Para Hegel, es la manifestación sensible de la idea absoluta. El modo fundamental de la autorrealización del espíritu absoluto por medio del hombre., como se ve, implica ya una filosofía metafísica del arte. Atribuye no un carácter de ilusión, sino de manifestación de la verdadera realidad, como una conciliación entre belleza y verdad.

Para Jaspers (existencialista), la actitud estética es una contemplación con placer y sin compromiso, en la que se resuelve toda problemática de la existencia. Jaspers afirma que la transformación decisiva de la existencia humana, en el acto de percatarse de lo trascendente, de Dios.

Para Hiedegger, lo estético es una forma fundamental de subjetividad que se saborea a sí misma, y todo lo que se le presenta lo refiere como objeto exclusivamente a sí mismo y encubre en el arte el imperativo de la verdad como tal.

Para Nietzsche es la verdad como derivada de la belleza trágica, es la auto-intuición del mundo de las contradicciones. (por cierto, muy al modo del mito, ya les hablaré de él porque estoy releyendo sobre este fascinante tema).

Adelanto algo: El mito logra hacer coexistir bien y mal en un mismo fenómeno. “Un mito es una gran imagen controladora que da sentido filosófico a los hechos de la vida ordinaria, es decir, tiene un valor organizador para la experiencia. El mito es indispensable para cualquier forma de creencia… Los mitos, al igual que las imágenes poéticas, revelan y ocultan al mismo tiempo; el significado se adivina en vez de definirse, es implícito en vez de ser explícito, sus historias, imágenes, alegorías, parábolas y símbolos, sugieren en lugar de afirmar.” (muy al modo del arte) Alan Watts.

Posteriormente surge una corriente que intenta liberar el arte de la consideración meramente estética y crear una ciencia autónoma del arte.

De plano, me adhiero a la de estos muchachos Platón, Tomás, Nietzsche, pero si intentásemos integrarlas eclécticamente, por lo menos las mas armónicas, ¿qué quedaría?.

Según investigué, Platón, Aristóteles, Tomás de Aquino y Plotinio abordaron el tema inicialmente. Pero, posteriormente, se hace a la estética dependiente del conocimiento psicológico y actualmente se le considera una vivencia de VALORES, dentro del campo de la axiología ¡cáete muerto Chito! También se le considera como reflexión sobre el arte y se divide en: teorética cuando intenta llegar a la esencia de lo bello, y práctica, cuando parte del análisis de la obra de arte por inducción para llegar a la experiencia estética. Nosotros intentamos la teorética ahora y en el análisis de la película en la práctica.

Agrego, nomás por gusto, que en la educación, se educa para la contemplación, para la apreciación y goce estéticos. Para la experiencia sensible y creativa de los valores. Educere: extraer la sensibilidad, los valores, la percepción individual de la realidad, las necesidades psicológicas individuales. Educare, desarrollar las capacidades creativas de la persona; vincular el arte a la vida y a la naturaleza. Aprender a crear para aprender a captar o al revés.

• "El arte es una recreación selectiva de la realidad de acuerdo con los valores y juicios metafísicos del artista." Ayn Rand

Bueno, dado que el ser humano es un ser inacabado, dinámico y en evolución constante, la cultura que crea se mueve con él y por lo tanto el arte va cambiando y transformándose con él, sus criterios, no son una piedra estática, pero el arte siempre es reconocible. En este sentido, el arte refleja al individuo, su dinamismo y también el momento histórico y cultural del artista.

Entonces, las definiciones del arte han cambiado, sin embargo, el arte sigue siendo uno y distinguible para todas las culturas, porque mientras se conserve lo esencial, seguirá siendo arte, aunque lo secundario siga modificándose según la cultura, civilización y avances científicos. De allí que lo central de nuestra conversación, sería descubrir la esencia del arte, aquello que lo hace ser lo que es, y no algo diferente, sus notas características que lo distingue de otras expresiones humanas subjetivas.

De las definiciones que comentas, ésta abajo, me parece más completa que la de wilkipedia, pues logra enmarcar más específicamente lo que es y lo que no es arte, integra más notas características y exclusivas y apunta más a lo esencial del arte en sí.

ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética." (las cursivas son tuyas)

Sin embargo, cabe preguntarle a esta definición, para evaluar su validez: por ejemplo, cuándo yo hablo por teléfono, acostumbro garabatear cosas en un papel, ¿estoy haciendo arte? Es algo subjetivo, expresa algo significativo, especialmente para un psicólogo, es catártico y puede salir feo o bonito y puede comunicar algo a los demás. La definición contestaría que sí, y yo afirmo que no.

Y pregunto: en el arte, además de subjetividad ¿también se requiere intencionalidad, conocimiento, creatividad, genio, talento? Y también vale preguntarnos: ¿es el arte, a la vez que una expresión individual, una forma de conocimiento? Tiene sentido la pregunta dado que el conocimiento, se realiza a través de la percepción, la imaginación, la memoria y el pensamiento o reflexión. O por el contrario ¿es fundamentalmente una experiencia? Entendiendo por experiencia, una forma especial del conocimiento que no procede del pensamiento discursivo, sino de la aprehensión inmediata de algo dado que se atestigua irresistiblemente la presencia de lo experimentado. La tercera opción podría ser ecléctica, integrando conocimiento y experiencia a la vez.

. Existen experiencias externas (las percepciones sensibles de los objetos, pero fragmentadas) e internas (aprehensión de estados anímicos o también, percatarse de realidades trascendentes, integradoras, superiores, totales).

Agrego una definición más: Actividad humana objeto de juicio estético. Donde los criterios básicos para definir el arte son: su origen en la conducta del hombre y su función prioritariamente estética. Así, el valor estético de una obra de arte radica en su belleza. Comento que las teorías sobre el valor estético se clasifican en objetivistas (la belleza es algo inherente a la propia obra; b) subjetivistas (la belleza es una reacción subjetiva del espectador); y las que según yo, siempre tienen la razón porque concilian los extremos, c) eclécticas, (concilian lo subjetivo y objetivo).

Me gusta porque no deja fuera el tema de la belleza, de la estética y afirma la subjetividad humana, e implica la reflexión filosófica que le da origen, con sus inevitables diferentes corrientes, afines o contradictorias, para variar. Sin embargo, les comento que, al parecer, otras definiciones, muy modernas, intentan dejar fuera el tema de la estética en la apreciación del arte. Yo aún no estoy convencida que deba excluirse.

Otro manera de aproximarnos a la comprensión del arte, es dejarnos guiar por los creadores mismos, por los grandes artistas que han marcado las pautas con sus aportaciones desde su muy autorizada experiencia y particularísima percepción y aportación a la evolución del arte, de la percepción, la sensibilidad y experiencia de una civilización. ¿O por los cuestionables y odiados críticos?, que analizan desde la barrera las obras, o por la aprobación o desaprobación del público al que va dirigido. Elijan.

Uf! Esto de plano ya se puso muy, muy requetecomplejo. Y como tú dices, para conservar la cordura, mejor lo podríamos reducir a lo que me gusta o no me gusta. Pero entonces, no habría nada que agregar, o discernir, pues eso es muy respetable e indiscutible. Así que aquí algunas que encontré en Internet, y que por supuesto, apoyan mi visión, espero sean fidedignas.

"La belleza es verdad y la verdad belleza -no hace falta saber más que esto en la tierra." John Keats

El arte es el placer de un espíritu que penetra en la naturaleza y descubre que también ésta tiene alma. Aguste Rodin

“Los espejos se emplean para verse la cara; el arte para verse el alma." G. Bernard Shaw

El arte es sobre todo un estado del alma. Marc Chagall

"El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad." Picasso.

"Lo más bello que podemos experimentar es el misterio. Es la fuente de todo arte verdadero y de toda ciencia" Albert Einstein.

"Una obra de arte es un gozo eterno." J. Keats

"Todo pasa. Sólo el verdadero arte es eterno." John Keats (poeta inglés, romanticismo)

Por otra parte, tras la decadencia de la filosofía del arte, entra en juego la psicología, para determinar la esencia del arte a través de sus diferentes corrientes. Delinea el arte como, la forma como en una sola obra humana, se hace presente, intuitivamente (nota mia: facultad espiritual) al hombre, el todo del ente, del Ser, la verdad o la manera como el mundo, a la inversa, el hombre de una época histórica se ve llevado por tal obra ante la verdad y a la reflexión sobre su propia esencia (Heidegger).

"El arte da al hombre la experiencia de vivir en un mundo donde las cosas son como deberían ser. Esta experiencia es de crucial importancia para él: Es su salvavidas psicológico. Dado que la ambición del hombre no tiene límite, dado que su búsqueda y logro de valores es un proceso que dura toda la vida -y cuanto más elevados los valores, más dura es la lucha-, el hombre necesita un momento, una hora, cierto período de tiempo en el cual pueda experimentar el sentido de su tarea terminada, el sentido de vivir en un Universo donde sus valores hayan sido exitosamente realizados. Es como un descanso, un momento de repostar combustible mental hacia nuevos logros. El Arte le da este combustible, un momento de alegría metafísica, un momento de amor por la existencia. Como un faro, alzado sobre los oscuros cruces de caminos del mundo, diciendo -Esto es posible". Ayn Rand

Sin embargo, el arte se pervierte (volver malo o inmoral) cuando se convierte en instrumento ideológico, reductivo y en lugar de una reconciliación positiva con una verdad total que se ha de hacer patente, pasa a primer plano la función negativa de una crítica de la actual situación del mundo (adorno). Heidegger (existencialista).

Desde este enfoque, implica entonces que el arte implica también un valor moral para la cultura y la civilización y espiritual en su intencionalidad. Pienso en la extraordinaria propaganda visual que creo Leni Riefenstahl, para apoyar el nazismo, todo un hito cinematográfico, extraordinariamente innovadores sus documentales. Veamos otras desviaciones
:
"Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta" Picasso.

El arte jamás ha de intentar ser popular. El público es el que ha de intentar ser artista." O. Wilde

Por otra parte, según leí, la palabra arte proviene de un antiguo vocablo de origen pre-helénico (“artao”), que viene a significar “aquello que debe ser juntado, unido” o “algo que une”. De esta manera, en sus orígenes, el Arte sería todo aquello que tiende a unir partes separadas. Pero, ¿a qué tipo de partes nos referimos?. Principalmente, el arte extrae algo interno del creador para expresarlo subjetivamente, y a la vez, hace objetivo y concreto externamente para sí mismo y para los demás. Al lograr articularlo conscientemente, toma una nueva dimensión, mas clara y definida para sí mismo y para los demás, en este sentido contiene una revelación. Lo que se percibía fragmentado, encuentra su unidad intrínseca –nuevamente como lo logra el mito. Pone afuera algo que surge de adentro y que puede experimentarse internamente de manera vaga o no totalmente definida. De este modo, al arte podría comprenderse como un modo de comunicación de la más profunda esencia e individualidad, y considero esta sí es una finalidad fundamental del arte.

“Sin una audiencia, sin la presencia de espectadores, estas joyas no alcanzarían la función para la cual fueron creadas. El espectador, por tanto, es el artista final. Su vista, corazón, mente—con una mayor o menor capacidad para entender la intención del creador—da vida a las joyas.” Dalí

Es innegable, y aquí seré fácil que coincidamos, que en el arte, el ser humano expresa su subjetividad, su individualidad, su unicidad, su percepción particular, interpretación del mundo, necesidades psicológicas, su visión ética, religiosa, económica y política,. La subjetividad es pues connatural al arte:

""No tengo por qué recordarte que la expresión es en sí misma es el supremo y único modo de vida para un artista." O. Wilde

“El arte es la forma más intensa del individualismo que el mundo ha conocido." O. Wilde

Es por la subjetividad, por que es el individuo como único e irrepetible quien se manifiesta a través de la obra de arte, por eso son únicas, por eso los grandes maestros, las grandes obras, manifiestan una visión única, creativa del mundo, y en ese sentido, revelan un fragmento más de la gran totalidad, al resto de la humanidad. El verdadero artista tiene una conexión interna más profunda con su espíritu, con la fuente de la creatividad, mucho más clara que los demás. Todo individuo contiene una subjetividad y percepción particular, pero no todo individuo tiene establecida esa conexión interna, ni el talento, genio más allá del promedio, y eso es lo que hace la diferencia entre maestros o discípulos, entre las grandes obras y las menores.

Los artistas menores simplemente los imitan, o crean desde la mente discursiva, el intelecto, pero no desde la fuente original de la que surge la genuina creatividad. Solo continúan la escuela y la corriente o propuesta de los autores verdaderamente innovadores, se suben simplemente al camión de los que realmente crean y que logran transformar la visión limitada de una época. Sin lograr la maestría, el genio de los verdaderamente grandes artistas. Estos son los que marcan nuevos horizontes, más amplios. Al explorar y sostener una conexión más profunda con su espíritu hacen visible y posible una realidad más profunda para todos. Por ejemplo, dicen que Beethoven decía que Dios hablaba a otros autores, pero que a él le gritaba!, Otros autores clásicos declararon que ellos no creaban, simplemente escuchaban esos sonidos en su interior.

“El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar escenas extraordinarias en medio de un desierto vacío. El verdadero pintor es aquel que es capaz de pintar pacientemente una pera rodeado de los tumultos de la historia”. S. Dalí.

Aquí colocaría la obra de El grito, tan profundamente perturbadora y reveladora de la angustia de la locura y desesperación humana, de los estados límites del hombre. Y esto es verdad, bueno y bello en su terrible expresión, nos revela nuestro propio inconsciente, nuestro miedo a la locura, por eso nos perturba. Nadie antes había podido plasmar con tanto realismo la profunda angustia de la locura. Un volcán en erupción no es estereotipadamente bonito, es impactante, poderoso, terrible y bello en su armónico y alucinante poder destructor. El arte es estético pero también tiene un poder catártico, nos conecta con emociones y pasiones que tienden en direcciones opuestas, así el arte facilita el equilibrio y la expresión de lo inconsciente y reprimido.

"Si yo pinto mi perro exactamente como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte." Johann W. von Goethe.

El arte debe ser gusto, diversión y alucinación. Naguib Mahfuz

En fin, sabemos que el arte ha evolucionado y diversificado sus formas de expresión, sus intenciones, sus técnicas, escuelas, corrientes, temas, etc. Así no es lo mismo las pinturas rupestres con la Venus de Willendorf, con los bisontes, en donde el hombre intentaba una acción mágica para manifestar su poder en el órden de la naturaleza y asegurar la caza; que el Guernica.


No es lo mismo el arte chino que el egipcio, helénico, bizantino, budista, cristiano, europeo o mesoamericano. Ni es lo mismo Giotto, el Greco, Goya, Dalí, Picasso. Ni el barroco que el cubismo o el surrealismo, etc.

La evolución de las civilizaciones, el conocimiento de la realidad, de la naturaleza humana, a través de otras ciencias, el descubrimiento de nuevos materiales, los temas y formas ha expandido las posibilidades de expresión de los artistas, las ha perfeccionado y así los conocimientos objetivos, han influido en la obra de arte subjetiva. La forma cambia, pero no la esencia.

"Dicen que soy un gran escritor. Agradezco esa curiosa opinión, pero no la comparto. El día de mañana, algunos lúcidos la refutarán fácilmente y me tildarán de impostor o chapucero o de ambas cosas a la vez. " Jorge Luis Borges

Finalmente volvemos al punto de partida, pero con más elementos de juicio ¿Qué es lo esencial del arte que no cambia? Qué es aquello que lo hace ser lo que es y no otra cosa? ¿qué tienen en común las grandes obras de arte y los grandes artistas de todos los tiempos? ¿Qué distingue una gran obra de una menor? Si, hay niveles, pero ¿sólo eso distingue el arte del que no lo es? ¿La obra maestra de una obra menor?

Intento mi propia definición para aproximarme (anímense a crear la suya):

“Expresión y representación creativa, significativa, simbólica bella, que hace el artista de su experiencia existencial, a partir de su percepción, conocimiento e interpretación subjetiva, que le permite ver más allá de la limitada percepción sensible (sentidos) de los fenómenos; descubriendo una nueva forma y logrando, más integradora, más completa de la realidad, comunicandola, en forma significativa y valiosa (valioso: lo apetecido, apreciado, querido por su belleza, verdad o bondad. -estos 3 últimos se consideran, en la metafísica, los trascendentales del ser).

Besos.


No es lo mismo el arte chino que el egipcio, helénico, bizantino, budista, cristiano, europeo o mesoamericano. Ni es lo mismo Giotto, el Greco, Goya, Dalí, Picasso. Ni el barroco que el cubismo o el surrealismo, etc. La evolución de las civilizaciones, el conocimiento de la realidad, de la naturaleza humana, a través de otras ciencias, el descubrimiento de nuevos materiales, los temas y formas ha expandido las posibilidades de expresión de los artistas, las ha perfeccionado y así los conocimientos objetivos, han influido en la obra de arte subjetiva.

"Dicen que soy un gran escritor. Agradezco esa curiosa opinión, pero no la comparto. El día de mañana, algunos lúcidos la refutarán fácilmente y me tildarán de impostor o chapucero o de ambas cosas a la vez." Jorge Luis Borges

Finalmente volvemos al punto de partida, pero con más elementos de juicio ¿Qué es lo esencial del arte que no cambia? Qué es aquello que lo hace ser lo que es y no otra cosa? ¿qué tienen en común las grandes obras de arte y los grandes artistas de todos los tiempos? ¿Qué distingue una gran obra de una menor?

Si, hay niveles, pero ¿sólo eso distingue el arte del que no lo es? ¿La obra maestra de una obra menor?

Intento mi propia definición para aproximarme (anímense a crear la suya):

“Expresión y representación creativa, significativa, simbólica bella, que hace el artista de su experiencia existencial, a partir de su percepción, conocimiento e interpretación subjetiva, que le permite ver más allá de la limitada percepción sensible (sentidos) de los fenómenos; descubriendo una nueva forma y logrando, más integradora, más completa de la realidad, comunicandola, en forma significativa y valiosa (valioso: lo apetecido, apreciado, querido por su belleza, verdad o bondad. -estos 3 últimos se consideran, en la metafísica, los trascendentales del ser).